国画基础教学知识(学国画需要什么基础)
1.学国画需要什么基础
无论学习哪一种，素描、色彩都是基础，国画练的是笔法，素描练的是绘画基本功，国画虽然讲究的是意境，但是造型能力的要求也是很高的。
色彩的训练也必不可少。可以从开始训练小的色稿，训练小色稿能够更好的提高一个人在绘画当中的色彩整体把握能力。然后逐步的简单的静物到多个静物。
虽然国画是散点透视，它不同于西画的焦点透视，画画需要具备造型能；首先学好基础梅兰竹菊，然后再学想学的类别，可以先从工笔入手，然后再学小写意大写意，最好找名绘画大师亲自面授及指导或参加学习班，这样可以少走弯路；学画要具备天赋、悟性及不懈的努力，还必须耐得住寂寞。
扩展资料：
学习国画的方法
1、临摹。首先要选择一些自己喜欢，适合自己风格的名家画集。对于初学者还是买一些画家编的国画入门之类的书较合适。练习时就基本照着人家的构图、笔法来画。但要注意不能一味照搬，看看人家是如何构图的，一些笔法的运用如何巧妙，画的神韵在哪里等等。
2、写生。临摹到了一定水平，就可以写生了。写生就是要对客观实在的景物、人物进行刻画、创作。
3、选景。这其实是相当重要的一步。凭我们的审美观、艺术欣赏力来选取合适景物、合适角度、合适部分。就像照相，不仅要考虑光线，而且要考虑构图。所选景物应有层次、有主次、和谐统一。
4、作画时要有耐心。要不断用眼观察、用脑思考，将平日所得应用开来。还要注意写生并非完全的像照相机一样从自然中搬下来，根据作画需要，可适当删减不必要的景物，或添进新的景物，也可在景物中先加入需要的物件再作画。
参考资料来源：百度百科-国画技法
2.水墨画基础知识
国画教学 国画工具与材料 笔毛笔以其笔锋的长短可分为长锋、中锋和短锋笔，性能各异。
长锋容易画出婀娜多姿的线条，短锋落纸易于凝重厚实，中锋、短锋则兼而有之，画山水以用中锋为宜。又根据笔锋的大小不同，毛笔又分为小、中、大等型号。
画山水各种型号都要准备一点，一般“小山水”小狼毫、“大山水”大狼毫各备一支，羊毫笔”小白云”、“大白云”各备一支，再有一支更大的羊毫“斗笔”就可以了。新笔笔锋多尖锐，只适于画细线，皴、擦、点擢用旧笔效果更好。
有的画家喜欢用秃笔作画，所画的点、线别有苍劲朴拙之美。 制笔和选笔有四个标准，即「尖、齐、圆、健」四德，「尖是笔锋合拢后顺畅而尖，尖则点划不失其锋，「齐是锋毫齐平，齐则易於变化，「圆是笔毫本身圆整，圆则书写时圆劲不分叉，「健是笔毫具有适度的弹性，健则坚固耐用。
中国的毛笔不同於西洋的油画笔，中国毛笔是圆锥状，油画笔是扁平的刷子，近似我国排笔。笔的性质决定於制作的技术与所采用的比毫种类，供作画用的毛笔大致可分为硬毫、软毫及介於两者之间的兼毫三大类。
硬毫笔主要用狼毫（黄鼠狼的尾尖毛制成），以有用貂、鼠、马、鹿、兔毛制成，硬毫的笔性刚健，适合画线条，常见的「兰竹」、「小精工」、「小红毛」、「叶筋 笔」、「衣纹笔」、「书画笔」等，日本笔有「山马笔」、「面相笔」、「勾勒笔」等。软毛笔主要用羊毛制成，也有用鸟类羽毛制造的，性质柔软，含水性强，适合作大面的渲染用，常见的软毫有「大鹤颈」、「白圭笔」、「染笔」、「大鹅」、「纯羊毫提笔」、等，日本笔则有「彩色笔」、「隈取笔」等。
兼毫笔是用羊毫与狼毫（或兔毫）相配制成，性质在刚柔之间，如「七紫三羊」、「白云笔」、「纯紫尖毫」，日本笔有「则妙」、「玉兰」、「长流」等. 好的毛笔都有一些共同的特点：圆、齐、尖、健，使用起来才能运转自如。画笔用后应及时清洗干净，避免墨汁干结损坏笔毫。
墨常用制墨原料有油烟、松烟两种，制成的墨称油烟墨和松烟墨。油烟墨为桐油烟制成，墨色黑而有光泽，能显出墨色浓淡的细致变化，宜画山水画；松烟墨黑而无光，多用于翎毛及人物的毛发，山水画不宜用。
挑选墨首先看其色，墨色发紫光的最好，黑色次之，青色又次之，呈灰色的劣墨不能用；然后听其音，好墨扣击时其声音清响，研磨时声音细腻，劣质的墨声音重滞，研磨时有粗糙响声。磨墨要用清水，用力均匀，按顺时针方向转慢磨，直到墨汁稠浓为止。
作画用墨要新鲜现磨，存放过久的墨称为宿墨，宿墨中有浓缩后的渣滓，用不好有脏黯之。现在北京、天津等地生产的书画墨汁（如一得阁），使用方便，已为许多书画家所用，但墨汁中胶重，最好略加清水，再用墨锭研匀使用。
墨色更佳。 纸中国画在唐宋时代多用绢，到了元代以后才大量使用纸作画。
中国画用的纸其它画种不同，它是青檀树作主要原料制作的宣纸，宣纸产于安徽泾县，古属宣州，故称宣纸。宣纸又分为生宣、熟宣和半生熟宣。
熟宣纸是用矾水加工制过的，水墨不易渗透，遇水不化开，但和其它纸张的效果也不一样；可作整细致的描绘，可反复渲染上色，适于画青绿重彩的工笔山水。生宣纸是没有经过矾水加工的，特点是吸水性和渗水性强，遇水即化开，易产生丰富的墨韵变化，能收到水晕墨章、浑厚化滋的艺术效果，多用于写意山水画。
熟宣用画容易掌握，但也容易产生光滑板滞的毛病；生宣作画虽多墨趣，但渗透迅速，不易掌握。故画山水一般喜欢用半生半熟宣纸。
半生熟宣纸遇水慢慢化开，既有墨韵变化，又不过分渗透，皴、擦、点、染都易掌握，可以表现丰富的笔情墨趣。可以代替宣纸作画的纸还有东北的高丽纸、四川的夹江宣纸、江西的六吉纸等等，其性能接近于半生半熟的宣纸。
砚砚台我国最有名的砚是歙砚和端砚。歙砚产于安徽歙县，端砚产于广东高要县。
好的砚台。一般书画选择各地产的砚台可以了，选择砚台主要择其石料质地细腻，湿润，易于发墨，不吸水。
砚台使用后要及时清洗干尽，保持清洁，切忌曝晒、火烤。砚的优劣，对墨色有很大的影响、最理想的是广东肇庆出产的端溪砚，或安徽的砚，都是石坚致细润，发墨快，墨也磨的细，且能贮墨甚久不易乾，但良质的砚价格昂贵，本省二水出产得螺溪石砚品质亦佳，但不宜选购树脂加石粉灌出来的塑胶品选择砚台虽然以石质细润为佳，但过於光滑（如台湾大理石砚），亦不容易发墨。
砚台的形状也有多种款式，以墨海一型最便利，储墨多，使用后可盖上盖子，以免墨水乾涸。经过一段时间后，残墨积的太多，应先用水浸泡，再洗除墨垢，保持砚台清洁。
颜料 我国的绘画发展到唐代，以重彩设色为主流，自从宋代水墨画盛行以来，在文人标 淡雅的趋势下，色彩的运用有逐渐衰退的倾向；然而习画者应该对传统的绘画颜料有所认识，作多面性的发展，或与水墨作更佳的结合。传统的颜料两大类。
矿物性颜料从矿石中磨炼出，色彩厚重，覆盖性强，常用的有： （一）石绿：通常呈粉未状，使用时须兑胶，石绿根据细度可分为头绿、二绿、三绿、四绿等，头绿最粗最绿，依次渐细渐淡。 。
3.想学国画需要怎么基础
国画-是中华民族传统的绘画艺术，它运用线条和墨色来表现物象的形体、质感，并与文学、书法、篆刻相结合，最终达到形神兼备、气韵生动、深入意境的艺术效果。是世界绘画艺术的瑰宝。
本片根据国画传统艺术风格和特点，系统讲述并演示了中国画的历史进展，题材分类、使用工具以及工笔画和写意常规的笔墨技法等基础常识。并根据科目分类，分别针对人物画、山水画、花鸟画的绘画技法和技巧进行了详细的讲解和演示。是初学者和业余爱好者学习中国画、掌握基础知识和绘画技法的实用教材，它将带你步入中国画-这座民族艺术殿堂的大门！
■国画入门-基础篇
01、概述
02、中国画的工具
03、中国画的基本技法-笔法
04、中国画的基本技法-墨法
■国画入门-山水篇
01、山水画技法
02、林木画法
03、山石画法
04、云水画法
05、点景
■国画入门-花鸟篇
01、花鸟画技法
02、工笔牡丹画法
03、写意牡丹、菊花画法
■国画入门-人物篇
01、人物画技法
02、人物造型-画部
03、表情
04、动态
05、工笔人物画
06、写意人物画
4.学国画需要什么基础
直以来，对学国画的顺序从没有过疑惑，可是越来越多的人在网络上发表自己的见解，觉得应该先学写意（还是大写意），再学工笔，觉得实在是有点莫名其妙，难道传统之于某些国人，真的是越行越远了吗？ 当然，感慨是一回事，默不作声或者大声疾呼是另一回事。
仔细思索“先写意后工笔”的意见，觉得有几种可能： 一、此人确实不懂画（至少不懂国画），从小接触的更多是偏向于西画的教学模式，那么对中国画的基础流程不了解也无可厚非，说错了也不值得深究，不过是惹方家一笑； 二、此人学过国画，但可惜的是，授业的恩师是个国画半吊子，或者自学于西画体系，对国画工笔和写意所知，简直是“一张白纸”！ 三、此种人就值得商榷了，实际上明白先学工笔再学写意的道理，却睁着眼睛说瞎话，装着笑脸办阴事，实则是妄想知识垄断，愚弄外行人的可笑行径，觉得少一人明晓，就多一分主动，然泱泱大国，概小人唧唧焉？ 笔者曾经见过有先教写意后教工笔的学习班，而事实上，学完写意，工笔到底应该怎么画，师傅和徒弟都没谱，铅笔与毛笔齐飞，国画与西画共融一炉，没骨跟勾勒共称，生宣和熟宣更是一概不分，一言以蔽之：使西画之技法用国画之工具，行煌煌之笔意，极尽仿写意之能事，此西画教学体系下出炉的学生，为了谋求生路抗起国画的教学大旗，却因苦于对传统绘画的知之甚少而肆意曲解国画风格的结果——那必然是不伦不类，学了丝瓜就只能画丝瓜，而不能画冬瓜、西瓜，毫无国画的基本造型基础（注意，是国画的），这样既无传统国画的淋漓尽致，也无西画的立体写实，其结果恐怕也是当初徐悲鸿先生引进西画教学理念之时未曾想到过的。 只能说：该画西画的请画你的西画去，一知半解的请教过老师后再来发表见解，若是口若悬河却又或有意或无意地用自己言语的谬误浅薄把虚心请教的人带进死胡同，那真正是没点公德没点自知之明了。
素描、色彩、造型、西画笔法都技艺纯熟，而骨子里又看不起国画的“大师们”，既然不明白中国画的神髓，而仅仅是想分一杯传统文化的羹，那么请别轻易地巧开国画的门，请先学好克己复礼，请先找好自己的根。 时下，无论是国人学画或是教老外学画，都是写意满天飞，工笔不见身影。
原因何在？概因工笔的功夫非一两日可修得，写意的笔法却是简单容易上手，老师和学生，一个教得轻松写意，一个学得写意轻松，悠悠之水墨风韵就惨然流淌于庸师窃然自得的眼神与学生不求甚解的盲目信任下了。殊不知，流传千古的国画，竟真的是如此好学？如此容易就被把握了神髓么？ 中国画的基础是线条。
中国画本就以线条取胜，其起、运、转、折都是运笔的方式方法，没什么神秘的，却需要深下苦功。而作为线条最好的载体：工笔画，自然是学习国画的首选！也许有人要问，写意画根本看不出什么线条，特别是大写意山水，更多的是侧锋大块的皴擦，和线条有关系吗？答案是肯定的！我们可以拿书法做易懂的解释：学习书法，没有一上来就写草书的，必定要先从楷隶、继而篆、魏碑等等，继而行草以进；就像一个人先得学走，然后才能学跑，没学会走就跑，那结果只能是跌倒。
学国画也是一样的道理，没有很好的线条基础，握笔就抖，线条浮而无力，转折不流畅，起运若持巨椽，何以能表达胸中丘壑？更罔论对笔意要求更高的“写意”画了。所以，结论是，想学写意，OK，先学工笔，工笔的线条练好了，恭喜，你可以选择继续在工笔上精益求精，也可以选择涉猎写意的创作。
给大家举个简单的实例：齐白石是大家熟识的大画家，他的写意画更是声明远播，凭《和平鸽》等作品更是与当时西班牙的毕加索有过良好的文化交流与互动。那么这样一位众人介知的著名画家，他早期借以成名的却是“齐美人”，即齐白石的工笔仕女图，而他早期临摹创作的也是工笔画，正是因为有了良好的工笔基础，才让齐老先生在日后的写意画创作中驾轻就熟，成就其一代大家的声望。
而历数各朝各代的名画家，无工笔而称写意冠绝的，简直是闻所未闻！ 所以说，学国画，先学练线条，以窥工笔之门径，工笔练到一定时日，可凭长久的工笔线条基础把握更流畅更肆意的写意画创作。这是科学有效的方法，是经过前人和历史检验的。
当然，工笔和写意是国画中两种不同的绘画风格，基于绘画材料（主要是纸张）和技法的区别造成风格和视觉效果的差异，从而人为划分的，并非说写意就高于工笔，这很不恰当，一如说草书比楷书好一样可笑。历史上不乏有工写兼备之名家，当然也有仅以工笔名重，却未听说真正的只画写意不用工笔之人，那显然是大大的笑话。
再讲一些传统绘画的相关资讯的概述，以资上文的观点： 明代，出现了一次书画材料的变革，从而引出了工笔和写意的真正分流，这种材料即生宣（宣纸的一种，与熟宣对应），之前工笔画需要反复点染才能显出的良好效果，利用生宣的易渲染特性（水分容易吸收，导致色的晕染可一次）就能一次完成，省事很多。从创造的角度和不同风格的审美角度来看，生宣的出现无疑是有着正面效果的，而从后世明末徐渭、八大写意画引领潮流，有清以来更是写意。
5.国画知识：学习国画必须具备哪些知识
学习国画必须具备哪些知识 国画一词起源于汉代，汉朝人认为中国是居天地之中者，所以称为中国，将中国的绘画称为“中国画”，简称“国画”。
下面来看看国画知识：国画的学习步骤是什么。一、必须练好基本功 书画中的基本功较多，但最基本的基本功，就是画交叉线、圆线和波浪线。
为什么要画交叉线、圆线和波浪线？中国画的基本笔法就是线条，线条造型舍弃了光源、明暗和体面，重在表现物象的形状和结构关系，并通过这些表象去表现物象的本质特征，这就是通常所说国画的“以线立骨”。中国画中的“骨”，乃是支撑艺术形象，使之富有精、气、神的本质表现。
单纯以线立骨的骨架而言，即是指线的运用要强调线的表现力，利用线的长短、粗细、转折、顿挫、轻重、疾徐、刚柔、强弱、浓淡、光毛等变化去表现物象的神态、形体、质感、动势、节奏、空间等等造型因素的各个方面。使线融于形象之中，才能完成富有个性的造型形式的营造。
这是以线立骨最基本的具体体现。点击图片看大图 学网 国画知识：国画的学习步骤是什么？二、“临摹入手”是必经之路 国画是中国的传统国粹之一，经过数千年历史的熔治，形成了一套特有的表现形式。
它经古往今来无数画家师法造化，并以自我的审美理想意趣加以熔铸而成。这为中国民族所特有，因而具有鲜明强烈的民族色彩。
如线描中的高古游丝描、钉头鼠尾描、铁线描等，是最初为了表现不同质地的衣着、花鸟等，经过画家长期的潜心体察、琢磨，或从表现其他对象获得启发借鉴而形成的一些表现手段，是以客观对象为依据的主观创造。其本身已具审美价值，不因时空关系而独立存在。
它便于人们应用这些程式进行艺术的再创造，由于人有性格、趣味、修养的差别，应用时便出现千差万别，不尽相同。又有人不满足现成的程式，并加以变化创造，于是又出现各种新的表现程式。
如能经得起历史的考验并为人们所确认，那么老的程式被取而代之，成为历史的陈迹，而新的程式又将为以后的人们接受或改变创造。因此，程式不是一成不变的，传统的中国绘画正是如此不断地交替往复向前发展着。
只要是符合当时人们的审美观点、审美标准，通俗的讲就是大家认为好看漂亮的作品，就能在历史的大浪淘沙中保存流传下来，这就是国画数千年流传下来的客观规律。我们讲绘画有程式的表现方法，即表现某个画材，应当这样画而不应当那样画，这是前人为我们提供宝贵的作画经验，也是艺术的结晶，为我们学习绘画带来借鉴之便。
有借鉴与无借鉴的艺术品，就有高雅粗俗的区别。所以，学习掌握传统绘画的表现程式，就成为入中国画之门的“敲门砖”了。
对于一个真心喜欢国画的初学者来说，有效的捷径当推“临摹入手”。古往今来，所有的国画大师均是从 “临摹入手”，才得以成为一代大师的。
临摹是初学画者入门的主要途径，特别是对名家名作的临摹。学画者通过临摹可以学会和掌握艺术特色特点与技巧。
临摹名家作品，要先观察作品的表现手法和艺术技巧，耐心揣摩作品的运笔方式，掌握作品的事物表现形态，认真研究作品的精神气质。三、选择临摹范画十分重要 “临摹入手”就必须要有样画，有条件的初学者能直接对照老师的真迹揣摩临写最为理想，但没有条件的用复制品或印刷品也是可以的。
总之要选择艺术水平较高，有临摹价值的古今作品，用以学习掌握传统笔墨技巧，体察古人今人的用心。但对待临摹不能抱实用主义态度，一般从临摹到掌握及至应用，都有一定的距离，不可能有现成的拿来套用。
根据自己的亲身体会，临摹一个完整的作品，难在上色阶段，最少要画一百张以上，才能真正基本初步掌握临摹技巧。点击图片看大图 国画知识：国画的学习步骤是什么？四、线条是中国画的根本 笔墨是中国画的特色，精华所在，没有笔墨不能称其为中国画，笔墨一词从广义上讲，指利用笔墨达到的画面气象，色彩，章法，意境，品味等诸方面的绘画语言。
狭义的笔墨专指用笔用墨的技巧。 “画是无声的音乐”！就是指好的画一笔一划就象一个一个动人的音符，组成美妙动人的质韵乐章。
有质是对描绘的客观对象的“真”的追求，即能神形兼备；有韵是指通过客观对象以表达主观的精神，即能传神写意。中国画要求主观和客观的统一，“外师造化，中得心源”是中国画毕生追求的世术境地。
用笔有“三忌”，宋代韩纯全《山水纯全集》中提出：“用笔有三病：一曰板；二曰刻；三曰结。”所谓“板”，是指没有腕力，用笔不灵活，画出来的笔线平扁，没有圆浑的立体感；所谓“刻”，是说笔划过于显露，甚至妄生圭角，不自然，没有生气；所谓“结”，是指落笔僵滞，欲行不行，当散不散，笔线不流畅。
用笔犯了这三个毛病，就谈不上线条的美感。别外，还其禁忌如“枯、弱、光滑、草率等等是也。
五、国画的技巧 不可否认，做任何事情都有技巧。国画技巧有二：第一就是多画，正可谓“熟中生巧”！第二才是技巧理论。
就是将教科书上的理论技巧倒背如流，也不一定会画；只要天天临摹几张样画，就是没学过一句理论技巧也会画的。为什么这样说呢？有人为证。
画坛巨匠。
6.中国画的基本知识有什么
国画的特点 中国画一般特点 学习中国画，首先应了解中国画的特点是什么，所以这本书就先从这里谈起。
要想简明地用几句话回答以上的问题并不容易。传统的中国画具有悠久的历史，适应中国的文化土壤而生根开花，在立意、构图、技法和程式化的表现诸方面，都具有自己的特点，这些特点，也正是目前国画理论家正在讨论总结的问题。
这里试举数点。 一、首重立意胸有成竹- -中国画的构思 中国画创作，以立意为先，许多绘画理论家都首先强调这一点，不管是画山水、画人物、还是画花鸟。
唐代张彦远在《历代名画记》中有一段关于"六法"的论述："夫象物必在于形似，形似须全其骨气。骨气形似.皆本于大意而归乎用笔。
"他认为立意在完.画中才能有变态、有奇意。 宋代以画梅花著名的华光和尚，法号仲仁，传为华光著作的《画梅指迷》中，有一段"画梅全决"， 开头就是"画梅全决，生意为先"。
到了清代的方薰，著有《山静居画论》.在这里也强调了立意与作画之关系，他说："作画必先立意以定位置，意奇则奇，意高则高，意远则远，意深则深，意古则古"。他认为平庸者作画必平庸，俗气者作画也俗气，因为缺乏画家最宝贵的"立意"，所以作品平庸。
意人利文艺复八时期的画家达·芬奇，也有近似的近在他曾说："一个画家应当描绘两件最主要的东西，人和人的思想意图。"这与我国晋代人物画家顾消之所提出的"巧密于精思"是十分一致的。
"意"是从哪里来的？一是画家对现实生活的丰富体察、创作经验的充分积累；另一点便是画家本人的修养，这样在创作之先，画什么，怎么画，在头脑中形成了成熟的构思。 宋代画家文与可，别人称赞他"胸有成竹"，即在他没有落笔画竹之前，头脑中已经有了竹子的形象，在胸中、笔下跃跃欲出，这时便能落笔而就。
"'胸有成竹"遂成为我国赞誉善于计划安排事情的成语。 在张彦远提出的"立意"之前，南产时代的谢赫即有'创意"、'明意"之说。
创意之画，不落陈套，用意精当，借景以生境，笔少而意多，在这一意义上讲作为一个画家，不仅要在平时注意练笔、锤炼个人的表现技巧，更为重要者，还要认真地加强练意之功。很多习画者，常常只是注意在练笔上下功夫，而忽略了练意，这是值得注意的。
二、以线造型以形传神——中国画的造型规律 中国画是以线存形的，通过线勾出轮廓、质感、体积来。德国的诗人歌德称美术有用光表现得神态活现的那种本领，说明西洋画用光为造型手段之一。
但中国画主要是以线为造型之基础，这就使中西绘画在造型手段上有明显之分野，但这并非说西洋画完全排斥用线，而是说光可以作为绘画的主要语言而用于绘画的。法国的罗丹曾经强调过："一根规定的线通贯着大宇宙"，是说造型艺术从宇宙如何分割出来的问题，也并非以此作为绘画的主要表现手段来看待。
而中国画无论对山水的破线或是衣服的纹线，都积累了非常丰富的线型，巧妙地描绘着各种形象。 "以形写神"是晋代画家顾恺之的一句名言，从而确立了中国艺术神高于形的美学观。
它与纯以抽象性为高的近代欧洲美学观具很大的区别，即画人不仅仅于形似.还要升高于神似，画出人的精神面貌，不停止于外形之模拟，不拘泥于自然之真实，这一论见为艺术家建立起艺术应竭力企求之高度，在这一理论指导下，历代出现许多传神写照的佳作，成为指导绘画的一个重要准则。 三、多点透视 计白当黑——中国画的构图法则 中国画既用焦点透视法，也用散点透视法，既有严守真实的画面空间和布白.也有打破真实按构图需要而平列的空间和布白，这样就使物象在画面出现时，可以按实物在画面上的艺术需要.伸长或缩短变化其形象，更换其位置。
一株低于视平线的牡丹花.也可架高于祝平线之上，而取得透视的最佳效果。 中国画在空白处尤其注意经营，常常借用书法上的计白当黑.即没有画面的部位要象有画面的部位一样作认真的推敲和处理。
四、随类赋彩色彩相和- -中国画的色彩法则 中国画的色彩，不拘泥于光源冷暖色调的局限，比较重视物体本身的固有色，而不去强调在特殊光线下的条件色。画那一件物品，就赋予那一件物品的基本色，达到色与物、色与线、色与墨、色与色的调和。
五、情景相生气韵生动- -中国画的意境 中国画要求笔与墨合，情与景合、现实中无限丰富的景象，绘画家以强烈的形象感染力。画家凭借着这种感受，激起描绘这些景象的激情，于是作品作为情景相生的复写而重现，使情景交融在一起。
至于气韵生动，即是画家所创造的艺术灵境，不同于一般的写生画，应成为富有生气，新鲜而活泼，有诗一般的韵味，使观者神往无穷。如果没有表现出如此生动、如此韵味丰富的内涵，当然，就不能给予人这一些感受，而达不到中国画富有引人入胜的意境。
六、诗书画印纸笔- -中国画的独特形式 可以说只有中国画，才有题字盖印的做法，不仅文人画，可以显示其诗、书、画三绝之长，即是一般的画作，也总要题字盖印，这样才有传统艺术的浓厚风味。 题字和诗句，可以提高或补充观者对作品的欣赏和理解，也丰富了构附的变化，起到互相衬映，互为显彰，点缀与平衡构图的多方面。
