西洋古典音乐(西方古典音乐中的乐理知识)

1.西方古典音乐中的乐理知识

说起古典音乐，我上了大学之后，毫不犹豫地报了西方音乐欣赏的选修课，没想到到了研究生又报了一次。

开始只知道贝多芬，莫扎特，柴可夫斯基三个人，后来通过选修课的学习，了解到了斯特劳斯，肖邦，维瓦尔蒂，布里顿，德沃夏克等伟大的音乐家。

我觉得古典音乐的欣赏不仅仅是对音乐本身的欣赏，更是对音乐所表达的内涵的鉴赏和探索，通过古典音乐的风格和特点可以了解到音乐家的内心世界和个人性格。因此，没有深厚内涵的音乐家是不可能写的出伟大的作品的，最多只能成为优秀。我想这也是音乐家要的达到的目的吧，要把他对人生，对社会，对艺术的理解通过音乐的表现形式表达给听众。当他们作曲是为了自己而不是为了迎合贵族和听众的时候，伟大的作品才会诞生，尽管可能在当时无人问津。正因为如此，我在听古典音乐的过程中，一定要先看这个曲目的背景和来历。否则只是欣赏其旋律的话，可能会无所收获。

《莫扎特传》是令我感触最深的，不愧为奥斯卡的获奖影片。这部电影重点突出了莫扎特的天才和萨里埃里的嫉妒（电影为了个性鲜明和矛盾的突出，丑化了萨里埃里）。莫扎特极具音乐天赋，当萨里埃里看见他的手稿的时候，萨里埃里惊呆了，莫扎特竟然没有一处修改，而每一处也无法修改，因为太完美了。萨里埃里认为莫扎特不是在创作音乐，他所要做的仅仅是把自己脑中的乐符抄下来，同时也感叹为什么上帝不赐予自己这样的天赋。

而萨里埃里对莫扎特的嫉妒不仅仅是因为他的天赋，更多的是因为莫扎特的张狂和自信，还有他对传统的宫廷内部制度的藐视，因为他始终认为自己是世界上最好的作曲家，他不受任何人的束缚和控制。

还有就是莫扎特的《安魂曲》真是震撼灵魂的伟大的作品。它把莫扎特去世前的那种心理状态淋漓尽致的表现了出来。有无奈，有苦闷，有悲凉，那种复杂的心理状况让听者无不为之感到惋惜。难怪有人说世上怎会有如此悲伤的旋律！

可以说贝多芬始终是一个与命运抗争的人。由于他长得丑，几次被心爱的女人拒绝，这对他来说也是不小的打击，而他后期的失聪更说明他不是上帝的宠儿。在这样的困难之下，他还能创造出第九交响曲这样的作品，则更加体现了贝多芬的伟大。要知道，失去听力对一个作曲家来说意味着什么。这就好比厨师失去了味觉，画家失去了眼睛一样。而正是这样的贝多芬创造了后人无法超越的交响乐的顶峰。所以贝多芬的音乐是不能不听的。他的《田园》，《命运》《第九》都被我请进了电脑。

后来便是圆舞曲大师施特劳斯，他的《蓝色多瑙河》《维也纳的森林》《皇帝圆舞曲》和《春之声圆舞曲》可以说是经典中的经典，我也是在那个时候反复的听这些曲子。

同样是这个时候我听到了我认为最好的交响曲——德沃夏克的《新大陆》。尤其是那气势磅礴的第四乐章，令我百听不厌。

总之，我对自己能够接触到古典音乐而感到庆幸，也感谢古典音乐给我带了快乐，希望更多的人也能与分享这些快乐。

你也喜欢古典音乐嘛？想和你叫个朋友！~

2.问一些古典音乐的基本知识

古典音乐知识 音乐有两类，一类是交响乐和轻管弦乐，另一类是舞蹈音乐、流行音乐和爵士音乐。

古典音乐往往指称严肃音乐，也指一些已得到公认的经典作品。 一般演奏人数在10人以内，演奏古典音乐均称室内乐。

每一乐器各担任一个声部演奏时，两件乐器合奏的称二重奏，三件乐器合奏的称三重奏。

八件乐器合奏的称八重奏，但以钢琴三重奏、弦乐四重奏及钢琴五重奏最盛行。编制在十人以上者，称为室内管弦乐。

大规模的器乐演奏称为管弦乐，近代管弦乐团又称交响乐团和交响管弦乐团。古典交响乐团的编制在30人以上，有时可多达100人或150人。

演奏轻音乐及爵士音乐的乐队，通称为小爵士乐队，一般人数较少，但轻音乐队也有超过30人以上编制的。现代伴舞乐队不使用弦乐器而单纯以铜管和木管乐器为主要旋律乐器，与维也纳圆舞曲乐队截然不同。

大型管弦乐团的配置，弦乐器的人数约占60%，木管乐器的人数约占15%，铜管乐器的人数约占15%，打击乐器的人数约占10%。通常左前边是小提琴，中音提琴在中间偏右，右前边是大提琴，最右是倍大提琴。

弦乐器后面是木管乐器组，定音鼓在后排中心位置。大小军鼓、钹等其它打击乐器在定音鼓左侧。

铜管乐器组在定音鼓右侧。竖琴、钢琴在左中部。

管弦乐团有4个主要的声部： （1）弦乐器 小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴（倍司）。 （2）木管乐器 长笛（横笛）、短笛、双簧管（英国管）、单簧管（竖笛、黑管）、低音管（大管、巴松管）。

（3）铜管乐器 小号、长号（拉管）、圆号（法国号）、大号。 （4）打击乐器 定音鼓、大鼓、小鼓、钹、三角铁、铃、铜锣、木琴、钢片琴等。

音乐的元素是音，作曲家不能像文字般明确表达感情，只能用声音的表现来引起人们的情绪。音乐的四个基本要素是节奏、旋律、和声及音色。

节奏使人们联想起形体动作，旋律使人们联想起精神情绪。音乐以旋律的差别，节奏的快慢，声音的高低强弱，和声的变化，以及音色的不同等方法来表现其情感。

比如以大调表示愉快、雄壮，小调表示悲哀、忧郁；紧张而短促的节奏表现奋发激怒，和缓而悠长的节奏表现婉转柔和，音高且强为热情，音低而弱为沉静；不协和音表示奋斗争执，协和音表示和平宁静；小号表现战争，双簧管表现田园等等。 怎样欣赏音乐？ 每个人都根据自己不同的欣赏能力和爱好来倾听音乐。

为便于分析，我们把对音乐的欣赏分成3个方面。 （1）美感 听音乐纯粹是对音乐的乐趣，只求悦耳，仅是知觉的欣赏，不需要任何形式的思考，任由音乐的感染力将自己带进一个幻想的境界。

如干某件事时，将音响打开，心不在焉地沉浸在音乐中。这时单凭音乐的感染力就把人带到一种无意识然而又有魅力的心境中去。

美感在音乐中占有非常重要的位置，但不应让它占过多位置。即使在这个聆听音乐的初级阶段，也应采用更有意义的聆听方式。

（2）表达 所有音乐都有表达能力，音符后面总具有某种涵义，这种涵义构成作品的内容，能唤起情感，这是情感的欣赏。 （3）纯音乐 音乐除了令人愉快的音响和所表达的感情外，还存在于音符和对音符的处理之中。

为了追随作曲家的思路，有意识地探求乐曲的结构、主题的变化及作曲家技巧的运用，这是理智的欣赏，也是欣赏音乐的高级阶段。 大多数听者并不能充分意，识到这第3方面。

明智的聆听者必须准备加强自己对音乐素材及其发展情况的意识。他必须更有意识地聆听旋律、节奏、和声及音色。

尤为重要的是，追随作曲家的思路，懂得一些音乐曲式的原理。 理想的聆听者是既能进入音乐又能超脱音乐的人，他一面品评音乐，一面欣赏音乐，不断加深对音乐的理解。

要对音乐加以理解，唯一的方法就是倾听，只有从头至尾地反复认真地倾听，直到熟悉，才能加深理解 当你听到一个旋律，能把它辨认出来时，你就具备了欣赏音乐的条件。若能听出不同演奏家演奏同一首曲子时表现方法的差别，并了解作曲家的想法，那你已经踏入欣赏音乐的大门。

音乐都有表达能力，从而具有某种涵义，但无法用语言说清楚，也没有必要去找恰当的言词来表达音乐的涵义。 音乐的表现方法大致可分为纯音乐（absolute music）和标题音乐（programme music）两类。

以音乐本身为目的的音乐，称为纯音乐，它只以音和形式来构成，是与音乐本身以外任何事物无明确联系的音乐。绝大部分器乐曲，如交响曲和奏鸣曲即属此范畴。

把文学、思想、绘画等内容以具体性的标题暗示的音乐，总称为标题音乐。 奏鸣曲（Sonata） 是包含4个独立乐章的器乐大曲，各乐章都具有独立的结构与风格，由钢琴、小提琴、大提琴分别演奏。

钢琴演奏时称钢琴奏鸣曲，小提琴演奏称小提琴奏鸣曲，大提琴演奏称大提琴奏鸣曲，室内乐所奏者、亦为奏鸣曲。 协牵曲（Concerto） 是独奏乐器与管弦乐队以平等地位联合演奏的器乐大曲。

协奏曲通常以小提琴、钢琴、大提琴或长笛为独奏乐器。 交响曲（Symphony） 是由管弦乐联合演奏的奏鸣曲型器乐大曲，通常它分为4个乐章，音色之复杂、色彩之丰富为一切乐曲之冠。

组曲（Suite） 是由若干短曲连为一体的管弦乐或钢琴套曲，其中各曲相对独立。 序曲。

3.古典音乐欣赏入门

如果想欣赏古典乐。

建议不要去买一些国内”权威”“写的叫《音乐欣赏入门》之类的书，这类书会把一首曲目解说得”清清楚楚”，至于作者是不是这个意思，他是不管的，我个人认为他只想把他一个人的思想强加给你。这对入门有一点用，但是却把你的思想限制了，当欣赏一些纯音乐（如伯拉姆斯的作品），你就会不知所云了。

音乐界有一句名言，让音乐说话，让解说消失。通你只需了解作者创作背景和作者对作品的意见就好，其它人说的都是在强奸作者。

所以一个好的解说者，只会告诉你作者创作这篇作品的背景和作者的想告诉听众的东西，至于音乐本身，通常只会告诉你几个主题，让你能注意就行。至于怎样理解—这是你个人的事，除了作者别人都可能是错的，除了你。

你的任何理解对于你都是对的。 建议先买一本《辛丰年音乐笔记》，非常值得一读，深入浅出。

他在上面有十二篇关于古典乐欣赏入门的好文章。有些书籍，能卖到书都可以买来看一看，对提高自己的音乐理解能力很有好处。

如：《管弦乐名曲解说》，唐.爱斯著，分上、中、下三册，共计不过几十元，不过写得又好又全，基本不用再买音乐欣赏类的书了；《西方音乐史》，保罗.朗多尔米著；或《西方文明中的音乐》，朗格著，二位兄台观点”奇特（落伍）”，不要全部认同。还有一些音乐家的个人传记，如《勃拉姆斯》等，英国OMNIBUS经典版本，江苏人民出版社出版；还有如《古斯塔夫.马勒》，布鲁诺.瓦尔特著等等（你喜欢谁就买谁）。

一句话，国内的权威人士写的就最好别买，被误导了不要来找我；），至于什么音乐学校的欣赏课教材，更纯粹是误人子第+放P。另外有两个刊物，《音乐爱好者》与《爱乐》，也可以订来看，尤其是《爱乐》。

如果有足够的兴趣，甚至可以卖一些讲乐理知识的书看，或者同时学一门乐器就更好了。最简单的：口琴就好. 好了，进入正题。

柴可夫斯基的音乐是入门的首选，优美动听，浅显易懂，可以从入门到精通（他也有相当多的非标题音乐，如D大调小提琴协奏曲和第一钢琴协奏曲），而且也适合发烧用，色彩极好。他的作品中，最浅的大概是：《1812序曲》（乐曲是俄国人民反抗拿破伦入侵），比现在流行歌其实还容易懂。

紧跟着是《天鹅湖》，最好是听全剧，选段也不错，买一张DVD，边看跳舞边听更好了，里面每一支曲都极为优美，音效也好。第三应为《胡桃夹子》，其它同天鹅。

关于版本问题，对这类通俗得比流行歌还流行的曲目，只要是一支像样的乐队演奏都差不多（除了那盘极发烧的孔泽尔的名盘外都行），只要录音好就行。再后可以找《意大利随想曲》来听听，我一直觉得这是我听过的色彩最好、又优美动听的音乐。

SONY公司录制，费城交响乐团演奏，尤金.奥曼迪指挥的应该是最好的版本了，费城乐团本就是以色彩著称的，这个版本比卡拉扬的版本录音效果和演奏都好，第一推荐。再后就较自由了，《罗密欧与朱丽叶》、《里米尼的费朗西斯卡》、《弦乐小夜曲》、《曼弗尔德》等，一路往下听就行，为了方便理解，最好有一本老柴的传记。

接着讲，再后你可以听老柴的交响乐和纯音乐作品了，如《D大调小提琴协奏曲》、《第一钢琴协奏曲》等和他的6首交响乐，不过推荐从第6开始听，再听第5，反过来听。第6的感染力最强，如果音响好，一个完全不懂音乐的人也会被振撼—这是真正发自内心，真达心灵深处的音乐，你只需知道这是老柴个人的经历的悲剧和悲怆的感想就行了。

而第5中的忧郁、哀愁，同样会深深的打动一个完全不懂音乐的人。第四我个人认为很难懂，而1、2、3，本人都没有啃过，不作评价，有机会可以听听。

当然，如果你喜欢室内乐的话，老柴的《四季》、《费罗伦萨的回忆》、《弦乐四重奏》不可不听。第6的版本我听过至少5个，最好的又是费城的那个版本，尽管没有卡拉杨的录音好，但音乐感染力却是最好的，卡拉杨的还不如伯恩斯坦的版本。

经常听到别人都是推荐听贝多芬来入门，但如从老柴入门应该更好。听。

推荐听完老柴后可以选贝多芬的第九中的第五乐章来听听，第三中的第四乐章，第五中的第一乐章，第六可以全部听。好了，可以了，等你精通了再回来听就可以了，否则会让你刚入门又被赶出来的。

其实，他的几部序曲倒可以仔细的听一听，作为爱乐者的话，多听贝多芬是没错的。推荐的版本是卡拉杨的，据说伯恩斯坦指挥柏林爱乐乐团1990年的第九的版本相当不错，托斯卡尼尼的也很好。

以下曲目都是好东东 ，大家可以随机缘听：里姆斯基的《天方夜谭》（又名《舍赫拉查得》或《一千零一夜》）和《西班牙随想曲》，雷斯皮基的《罗马的喷泉》，比才的《卡门组曲》，圣桑的《天鹅》，萨拉萨提的《流浪者之歌》等。这类型的小品还有很多，都是色彩又好，又浅显易懂的好曲目。

如果想爆棚，理查.斯特劳斯的《查拉图斯特拉如是说》第一段描写日出的音乐不错（烧了音响不要来找我），其它段都是高深莫测，还是别听为妙。不过此君的《唐璜》倒值得一听。

再下面有个人的值得一听，德沃夏克的《第九交响典，新世界》，个人认为，这是最深入浅出、优美动听的交响乐作品。

4.古典音乐入门

古典音乐可以指： 1广义的古典音乐是指西洋古典音乐，那些从西方中世纪开始至今的、在欧洲主流文化背景下创作的音乐，主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐。

2狭义的古典音乐是指古典主义音乐，是1750-1820年这一段时间的欧洲主流音乐，又称维也纳古典乐派。此乐派三位最著名的作曲家是海顿、莫扎特和贝多芬。

CLASSICAL MUSIC，中文翻译成“古典音乐”。有人认为"古典"给人的感觉有古董、古板的味道，故改称“经典音乐”。

也有人根据牛津英文辞典里对古典的定义，in traditional and serious style，而称其为“严肃音乐”。于是，“古典音乐”又被戴上了“严肃”的帽子，让人更不敢靠近。

但下此定义的人一定没有好好查字典，因为serious的第二条义项是这样给出定义的：（指书、音乐等）启发思考的，不仅为消遣的。因此我们知道原来古典音乐不同于流行音乐的地方是它内涵深刻，能发人深思，更能使人高尚，免于低俗。

再来看一下朗文辞典对古典音乐的解释：music that people consider serious and that has been popular for a long time。可见，古典音乐是历经岁月考验，久盛不衰，为众人喜爱的音乐。

古典音乐是一个独立的流派，艺术手法讲求洗练，追求理性地表达情感。 当我们听到巴赫、贝多芬、莫扎特、舒伯特的音乐时，它带给我们的不仅仅是优美的旋律，充满意趣的乐思，还有最真挚的情感，或宁静、典雅，或震撼、鼓舞，或欢喜、快乐，或悲伤、惆怅。

古典音乐的发展史说到欧洲古典音乐，我们不能不提到中世纪伊丽莎白时期，格里高利时期的音乐，其中，占主导地位的是宗教音乐！当时的人们对基督的信仰与崇拜，直接影响到了当时社会的政治与音乐，当时的音乐，只是纯粹的宗教用途，只限于在教堂中演唱，没有乐器，但是，却对今后的音乐发展起到了重要的作用！ 到了1450年，欧洲音乐开始进入了文艺复兴时期，因为当时的欧洲政治的不稳定，教廷的威信与势力开始衰弱，资产阶级萌芽，为了适应当时社会的发展与人们的新思想，音乐开始宣扬以人为本的思想，所以在各个领域里都开始了文艺复兴运动，也就是在那时，欧洲传统的大小调式逐渐形成！ 欧洲到了1600年开始，进入了一个大发展的时期——巴洛克时期，那时候不仅产生了象大家所熟知的巴赫，亨德尔等伟大的作曲家，歌剧，协奏曲，奏鸣曲等题材相继被创造发展出来。

当欧洲音乐进入古典时期后，也就是在1750年巴赫逝世后，欧洲复调后继无人，乐风转向简洁实用的主调，那时候，出现了三位音乐大师：“乐圣”贝多芬，“神童”莫扎特，以及“交响乐之父”之称的海顿！音乐的主题也从延续几个世纪的宗教音乐，逐渐变成富有丰富哲理内涵的古典音乐！ 在1827年贝多芬逝世后，结束了严谨的古典主义时期。当时的欧洲正在接受浪漫主义的洗礼，当时的作曲家把作曲当作抒发内心情感的手段，对音乐的审美也有了进一步的发展，产生了炫技等音乐表现手法！如当时的帕格尼尼，李斯特等就是那时红极一时的演奏家！音乐表现，风格也日趋丰富，出现了一些以民族音乐语言进行创作的民族作曲家，如芬兰的西贝柳斯，挪威的格里格，俄罗斯的五人强力集团等，都是民族乐派的伟大作曲家~ 时间进入19世纪，出现了以德彪西为首的印象派音乐！音乐表现极具色彩化，和当时的绘画风格有相同之处！ 在浪漫主义后期，也就是欧洲调性体系发展到了最辉煌也是最后的时期，我不得不提到拉赫马尼诺夫，马勒等作曲家，他们把欧洲传统作曲法发展到了极致，当然也包括新的尝试，出现了象马勒第八交响曲《千人合唱》这样的宏大的作品。

再者，就是斯特拉文斯基，他的新古典主义崇尚复调和对位法，采用多调性，为以后的传统作曲法到先锋音乐的过渡起到了至关重要的作用！ 时间到了十九世纪末，二十世纪初，音乐又有了突破性的发展，以韦伯恩为开始的作曲家打破十二音作曲法，抛弃了近400年的欧洲调性体系，发明了十二音序列，之后无调性等音乐形式出现，如当时的勋伯格就是代表！在世界大战之后，科技更加发达，人们的思想也更加丰富，出现了电子音乐，以及国家间的文化交流不断融合，产生了更加丰富的音乐形式，更加多元化！在1945年后的音乐被称为先锋音乐，这时候的音乐已经动摇了人们对音乐的美的看法，也更加理论化，产生了象无声音乐，噪音，微分音等人们无法理解的音乐形式！中世纪时期（Medieval Period）(1450年前) 这一时期主要是罗马天主教会所保存的在教堂中广为演唱的单声部歌曲集。大多用于两种礼拜仪式：一是弥撒，歌词为纪念基督最后晚餐及其献身事迹，这是教 堂仪式的中心；二是日课，就是修道院每天咏唱的八课圣事，主要以诗篇为主。

推荐：GREGORIAN CHANT 巴洛克时期（Baroque）（约为公元1600—1750） 这一时期的音乐是现代演奏会的先河。作曲家手下的巴洛克音乐带有显见的特性： 华丽、复杂、藻饰、扭曲， 著重于超现实和雄伟宏奇， 这些特质都能彼此融会贯通。

如果说文艺复兴时代（以及后来的古典时代）代表著井然的秩序和澄澈的表现， 那。

5.关于古典音乐这方面的知识

很多人认为古典音乐属于高雅艺术，比较难听懂。有些人尝试去了解作品的内容，可以到实际中就用不上，我从事音乐工作很多年。从现在的角度上看，当年在音乐学院上学时，即使学了音乐理论、作曲、音乐欣赏等基础学科，也是没有真正听懂古典音乐。现在看来知识代替不了审美，音乐欣赏是比较感性的，就应该以感性的形式去了解。实际上只要稍加训练，就可以解决欣赏的问题。下面介绍欣赏古典音乐的几个过程：

1. 分辨演奏乐器。对于交响乐队的几十件乐器，必须有明确的分辨能力。否则乐队演奏起来很多乐器交织在一起，听起来就会十分混乱。而且由于因为乐器本身的音色特点，作曲家在创作过程中，会根据音乐的需要选择乐器，所以分清乐器就可以大致了解音乐的基本内容。这样的乐曲有很多，如普罗科菲耶夫的《彼得与狼》、布里顿的《青少年管弦乐指南》等等，乐曲详细介绍了每件乐器的音色特点和所描写的内容。这种分辨乐器的练习要进行很多次，直至即使在很多也其演奏的情况下也能分琴某一件乐器，这是需要大量视听作品的。

2. 了解乐曲的音乐表现内容。作曲家在创作作品时，是有一定的创作思路的，有些作品会具有明确的情节发展过程。这项练习个人是很难进行学习的，必须有优秀的教师来讲解。教师的讲解就像是一个翻译，将音乐中表现的内容，一边对比乐器、对比乐句，一边讲解。这种方式可以最快的实现欣赏音乐的目的。这类的作品有：柴可夫斯基的《1812序曲》、斯梅塔娜的《伏尔塔瓦河》、约翰斯特劳斯的《蓝色多瑙河》等作品。

3. 分辨演奏者个人的演奏水平。通过对音色、技术、音乐表现等方面的对比，听辨演奏者的个人演奏能力，由于演奏者的个人性格和审美因素，使其在演奏中会带有一定的个人特性，比如：男性的坚定；女性的柔和；快速乐句的清晰；慢板速度的稳定等等。通过对这些因素的分辨，不仅可以准确判断演奏者的性别、性格，甚至为人习惯等特点。还可以根据高音音色的松、紧；整体音色的统一；音乐表现的方式；技术能力等等对演奏者的水平进行鉴定，通过鉴定可以有选择的欣赏演奏水平较高的乐曲。

4. 分辨指挥的风格特点。这一点同分辨演奏者个人的演奏水平的方法相似，有些象足球运动员和足球教练的差别。指挥就象是足球教练，优秀的指挥可以较好的控制和统一乐队的整体风格，使全体演奏员可以演奏出和谐的效果。当然指挥的个人特点和缺陷也会在音乐中有所表现。性格随和的指挥在乐曲处理时经常出现旋律不够清晰的现象；性格坚定的指挥对柔美的处理就容易不到位；还有指挥个人的处理思路和风格等，一般这种分辨是需要通过听辨同一乐曲的不同指挥、乐队、版本来比较和分辨的。

5. 分辨乐队的风格特点。每个乐队有每个乐队的特点，这一点就象各国的足球队一样，认识较容易受环境影响的，一个国家的水土；一个民族的风俗；一个城市的节奏；一个地域的差别等等都会影响演奏者的审美和音乐表现方式，另外还有指挥的因素。世界著名的大乐团一般都会较长期的聘任首席指挥，乐队和指挥较长期的合作可以使指挥和乐队的风格更统一。恰恰是因为这些原因，使每一个乐队都具有不同的演奏特点和风格，具体的欣赏办法就是对比各乐团对于相同乐曲的理解和处理方式。

6.古典音乐欣赏入门

古典音乐欣赏一般分为三个阶段：听乐曲欣赏，分析乐曲，理解乐曲。

大部分没有学过音乐的人都只是停留在第一阶段，这也是必经的。想要欣赏古典音乐必须对它产生兴趣，否则一旦产生反感，以后再欣赏就会有抵触情绪。

刚开始欣赏乐曲时不妨挑选一些旋律优美，朗朗上口易记的乐曲，如巴赫的《G弦上的咏叹调》、D大调管弦乐组曲中的《咏叹调》、莫扎特的《土耳其进行曲》、贝多芬的《致爱丽丝》、柴可夫斯基的《六月船歌》、《第一钢琴协奏曲》等非常著名的乐曲，以此来培养对古典乐曲的兴趣。等到兴趣培养起来之后再听一些其他的内涵深刻的乐曲，就不会“打瞌睡了”。

我在没有学习音乐之前，一听到晚会上美声、民族歌曲或者交响乐就会换台或者打瞌睡，但是学了音乐之后就百听不厌。为什么呢？那是因为我能听懂了。

而这个听懂了的过程就是欣赏音乐的第二个阶段——分析乐曲。一首乐曲，如果你能亲身的演奏一下更好，这样就能直接的感受音乐。

这种滋味是妙不可言的，如果没有条件演奏的话就去听现场演奏，录音即使做得再好，但和现场的感觉是完全不一样的。在这个阶段就可以学一些关于音乐的知识，这对于你分析乐曲以至于再后来的理解乐曲是必需的。

至于最后一个阶段理解音乐甚至于升华到哲学角度，一般人没有必要去做，只要喜欢音乐，听它就是了。 再有就是推荐你网上搜一下耶鲁大学的公开课《聆听音乐》，有深有浅，适合初学者。

有什么问题可以问我，今天感冒了，很难受，就只说这么多了。

7.与古典乐有关的一切知识

古典音乐是一个含义广泛的术语，广义的西洋古典音乐是指那些从西方中世纪开始至今的、在欧洲主流文化背景下创作的音乐，或者指植根于西方传统礼拜式音乐和世俗音乐，其范围涵盖了约公元9世纪至今的全部时期。

主要因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐。在地理上，这些音乐主要创作于欧洲和美洲，这是相对于非西方音乐而言的。

另外，西洋古典音乐主要以乐谱记录和传播，和大多数民间音乐口传心授的模式不同。亦有人认为“古典”是对应于“流行”而言的，因为这些音乐经得起时间的考验，能够引起不同时代听众的共鸣，故认为应当称之为“经典”（classic）的音乐。

但如果细究古典一词，本意可以理解为古代留传下来堪称经典的音乐作品（古代+经典），但是一般来说，古典音乐是具有规则性本质的音乐，具有平衡、明晰的特点，注重形式的美感，被认为具有持久的价值，而不仅仅是在一个特定的时代流行。这也体现于“古典”（classical）与“经典 ”（classic）的不同。

古典音乐（classical music）本来是专指德奥在1750—1830年间以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的音乐，即所谓“维也纳古典乐派”的音乐（或翻译为“维也纳古典主义音乐”）。这就是狭义的古典音乐。

从这个狭义的古典音乐概念出发，我们可以向前追溯到巴赫、韩德尔，乃至更早的天主教、基督教的宗教音乐，向后延伸到浪漫主义、民族乐派，以及20世纪西方的现代音乐。这些都是广义的古典音乐，也就是基于这个传统的，无论是继承和发扬这个传统，还是试图以创新来突破这个传统的音乐创作尝试，都可以归入古典音乐之内。

而在这个传统外独立发展的音乐，虽然有借鉴和影响古典音乐创作的，但是一般也不归入古典音乐之内，比如爵士乐、摇滚乐，以及东方一些民族的音乐。因此对于广义的“古典音乐”这个词来说，欧洲艺术音乐的定义更加准确。

欧洲艺术音乐与其他的非欧洲音乐和流行音乐体系的主要区别是记谱法有所不同，其规则大约源自于16世纪便开始使用的记谱法。在西方记谱法中，作曲者给演奏者规定了音调、格律、速度，独特的节奏和对于一同段音乐准确的演奏方式。

这种即兴演奏发挥空间很小的记谱法模式，极大的不同于非欧洲艺术音乐（相对于传统的日本音乐和印度音乐）和流行音乐。古典音乐作为音乐中类别的称呼，是相对于轻音乐、通俗音乐等类别而存在，它本身并没有严格明确的解释或者定义。

在轻音乐范围里，有时也采用“古典”的概念来指某些经过时间检验，被人们奉为楷模的轻音乐作品，如古典轻歌剧、古典爵士乐等，这里的 classical 理解为“古代+经典”，似乎更为合适一些。推荐先听浪漫主义的，比如柴可夫斯基等，或者从古典主义的莫扎特开始也行，但是不建议从巴赫开始，勃兰登堡协奏曲还行，如果是哥德堡变奏曲的话没有一定音乐欣赏基础的不推荐一开始就听。

首推《千禧名曲系列》（Masters Of The Millennium），有作曲家分类。/topics/2722634/还有一个专辑也不错：《飞利浦古典大帝国·导聆系列》，是按演奏方式分类的。

/topics/391763/再就是极致系列：/search/folders?kw=%E6%9E%81%E8%87%B4&catalog=%E5%8F%A4%E5%85%B8%E9%9F%B3%E4%B9%90&from=%E9%9F%B3%E4%B9%90&status=elite&c2=1&start=0楼主要是觉得太大，就下载金色大厅系列：/search/folders?field=&kw=%E9%87%91%E8%89%B2%E5%A4%A7%E5%8E%85&status=elite&rev=true&q=&from=%E9%9F%B3%E4%B9%90&c2=1&range=&catalog=%E5%8F%A4%E5%85%B8%E9%9F%B3%E4%B9%90&sort=有任何问题，可以在线对话 或者 离线留言。

8.遇到一点难题：古典音乐方面的知识

古典音乐被很多人认为深奥难懂，许多人都不敢或者说是不愿意接受古典音乐；许多愿意尝试接受它的人又不知如何开始欣赏古典音乐。

其实对待古典音乐，未必每个人都要象学者般研究它，也未必要具有高深的音乐知识。只要肯尝试接触，就是非常好的开始。

只要喜爱古典音乐，随着接触的时间增加，自然你就知道如何欣赏学习了。一个古典音乐的爱乐者，在接触音乐作品时应该具备的基本概念是：人类的艺术是一种需要经过了解、沟通，才能够真正进入欣赏层次的心灵活动，美术、建筑、雕刻、音乐皆然。

不可讳言的，这当中必定得花去一点儿时间做些功课才行，惟很多入门的人才一听到要做功课，就立刻打起退堂鼓来了。其实，做音乐功课是一点儿也不困难的，也没有什么太大的麻烦，一般来说，浅显的认知即已足矣，只要手上拥有简述乐派风格的资料或书本，从中获知各乐派音乐风格的特征即可。

首先，你需要一本很好的音乐辞典等工具书，如：“外国音乐辞典”、“古典音乐欣赏”、“音乐圣经”、“CD指南”等。以便对西方音乐史、作曲家等有一初步的认识，了解西方音乐史不同时期的各种流派的划分，主要作曲家及代表作。

中世纪时期（MEDIEVAL PERIOD）(1450年前) 这个时期以教堂音乐为主，大多是单声部音乐，如格里高利素歌（GREGORIAN CHANT）等，由于时间的久远，人们已经无法知道具体的作曲家的姓名。 文艺复兴时期（RENAISSANCE PERIOD）(1450-1600年) 这个时期是人类艺术的再生，音乐的理论及实践得到极大的发展，以圣经故事为主，创作了大量的教堂音乐，弥撒曲、安魂曲等。

巴洛克时期（BAROQUE PERIOD）(1600-1750年) 这一时期音乐有了长足的发展，产生了一批伟大的音乐家，如J . S . BACH,G . F. HANDEL、A . VIVALDI等。 古典主义时期（CLASSICAL PERIOD）(1750-1820年)。

这一时期作曲家按曲式与结构方面的某些基本传统概念作为表达乐思的自然构架，F . J . HAYDN、W . A . MOZART、L . BEETHOVEN是这一时期的杰出代表。 浪漫主义时期（ROMANTIC PERIOD）(1820-1910年)。

最广义地讲，从古典主义时期到浪漫主义时期的转变，可以说是从共性到个性的重点的转移。这一时期的风格与技术的变化可以清晰地在三方面看出：一是和声，变化音迅速发展；二是乐队；三是乐器演奏技巧。

另外的一些变化如旋律风格的变化（小型曲式更为抒情，大型曲式更为华丽）；节奏风格的变化（节奏更为夸张）；以及曲式上的变化（更多地追求织体的前后连贯，主题更加“有机”地发展和演化）。可以说这是音乐史上百花齐放的时期，这一时期造就了无数的作曲家。

20世纪及以后（1900-现在）。这一时期产生了新古典主义、新浪漫主义、印象主义等流派。

中世纪时期（Medieval Period）(1450年前) 这一时期主要是罗马天主教会所保存的在教堂中广为演唱的单声部歌曲集。大多用于两种礼拜仪式：一是弥撒，歌词为纪念基督最后晚餐及其献身事迹，这是教堂仪式的中心；二是日课，就是修道院每天咏唱的八课圣事，主要以诗篇为主。

巴洛克时期（Baroque）（约为公元1600—1750） 这一时期的音乐是现代演奏会的先河。作曲家手下的巴洛克音乐带有显见的特性： 华丽、复杂、藻饰、扭曲， 著重于超现实和雄伟宏奇， 这些特质都能彼此融会贯通。

如果说文艺复兴时代（以及后来的古典时代）代表著井然的秩序和澄澈的表现， 那么巴洛克时代 （及后来的浪漫时代）就是代表著骚动、不安和疑虑。四声部的和声， 以及加上文字指示和弦的「数字低音」 （figured bass） 都产生于巴洛克时代；旧有的教会调式消逝， 大小调音阶系统和沿用至今的相关调性之崛起， 是巴洛克时代大事。

另外， 节奏思想也在这个时代萌芽， 也就是在音乐曲谱中加入小节线。这些形式日后直接衍生为奏鸣曲、交响曲、协奏曲、前奏曲与变奏曲。

不过巴洛克时代也不乏一些自由的曲式--如触技曲、幻想曲、序曲和主题模仿（古幻想曲） 。 古典主义时期（Classicl）（约公元1750—1820） 因为这一时期的三位代表性人物：海顿，莫扎特，贝多芬的生活与创作主要都在维也纳，因此又被称为“维也纳古典乐派”或“维也纳古典主义音乐”。

此时期作家中，莫扎特的小夜曲、嬉游曲等都很具亲和力。海顿的第一、二号大提琴协奏曲也会是很适合入门者欣赏的曲目。

至于贝多芬的作品，轰轰烈烈的音响俯手可得，个人比较欣赏他的小提琴奏鸣曲《春》、钢琴奏鸣曲《悲怆》、《热情》、《月光》。 浪漫主义时期（Romanticism）（约为公元1820—1900） 这一时期的音乐更注重表达人的精神境界与主观感情，对自然景物的表现也愈加突出，创作上对民族和民间音乐的利用更加重视与频繁。

19世纪中后期出现了以振兴本民族音乐为己任的民族乐派。在音乐体裁上出现了新的器乐独奏体裁，如夜曲、即兴曲、叙事曲、谐谑曲、幻想曲与无词歌等。

此时期作品风情万种，各自独具特色，入门曲目有舒伯特艺术歌曲精选、《美丽的磨坊少女》；萧邦夜曲、钢琴协奏曲第二号；门德尔松小提琴协奏曲、钢琴协奏曲第一、二。