名词解释艺术创作(造型艺术名词解释)

名词解释艺术创作

艺术表达名词解释
指一种活跃的、丰富的、深刻的内心活动，它伴随着强烈的情感情绪，把艺术家长期对于生活的感受、观察和思考，形成艺术创作的基础和前提，乃至萌发不可遏制的创作欲望。
1.指艺术家借助一定的物质材料和艺术媒介，运用艺术技巧和艺术手法，将自己在艺术构思活动中形成的审美意象物态化，成为可供其他人欣赏的艺术作品和艺术形象。
2.是人类能动地认识和反映世界的基本形式之一，也是艺术创作的主要思维方式。是运用一定的形象来感知、把握和认识事物，也就是通过具体、感性的形象来达到对事物本质规律认识的一种思维形式。

为什么学艺术的人很有个性

我们先来简单的了解一下艺术为何物，艺是才能、技术、技能，而术是方法。我们可以简单的把它理解为通过某种方法来展现才能。艺术是一种意识形态，它是精神层面上的东西，它是对自身精神与 情感 的抒发与表达。它的涵盖面很广，包括书法、绘画、音乐、舞蹈、建筑、电影、文学、戏曲等等。

艺术是需要表现的，是展现自身才能的东西，所以它一定是有特点的，是与众不同的。艺术可以服务于大众，但它却是小众的，这也就是为什么很多学艺术的人打扮得古怪另类了。因为他们需要向别人证明自己是区别于大众的。再加上学艺术的人需要天马行空的想象力，需要脑洞大开，他们不想也不能流于庸俗。尤其是在还没有取得艺术成就时，他们就会急于表现自己，外在的表现形式就是奇装异服，在打扮异于常人。但当他们经过多年的摸索，对艺术有了一定见解后，反倒会归于平淡，比如许巍，刚出道时也曾是一头长发，朋克造型，现在创作的音乐是越来越好，反倒穿着却越来越普通了。当然这也不能一概而论，有些人，年轻时的打扮中规中矩，老了反倒标新立异了，就像达利，其实这也不难解释，因为艺术家和疯子只有一步之遥。

我们经常能够见到一些学艺术的人打扮的很希奇古怪。无怪乎有几种可能，其一，刻意而为之，标新立异，彰显个性，突出自己的与众不同。这类人大部分在艺术方面并没有太突出的造诣，华众取宠而己，徒有外表华而不实。其二，真正搞艺术的。不重视外表随意而为之，尊循内心的感受，怎么舒服怎么来，随性随意，讲究内涵，内在的修为，不在意外界眼中的看法。其三，有很强的目的性，通过包装，引起注意。正如许多流量演员靠炒作丑闻而出名。现如今，我们要大力倡导正能量，去伪存真，还 社会 一个公道，还世界一片净土。

这个问题不能片面的去看待或者以偏概全的来对待，有的学艺术是打扮有点特立独行，但大多数的打扮还是很普通的。

如果一定要找点什么原因的话，可以从以下几点考虑。

20世纪以来特别是第二次工业革命以后，这个时代政治、经济和文化都发生了重大变化，他们在对待 社会 、人、自然和自我关系上失去了平衡，所以在他们作品中采用荒诞、抽象等表达手法来变现作品和自我，当然这也与当时的哲学思潮有关，十七～十八世纪以来，欧洲哲学家们重视主体的高扬，比如笛卡尔的“我思故我在”就是很好的例证，到了二十世纪就得到了进一步的高扬，所以各种流派各种主义兴起，无不都在展现自己的主体精神，从以上的背景知识在回归到艺术家的装扮上就会给人一种特立独行的感觉。

第二，艺术往往走在时代的先例，成为先锋。它也在不断 探索 中前进， 探索 出来的成果往往会成为未来的风向和 时尚 ，只是这样的 探索 也是有依据和理论支撑的，或许这个时代觉得这样的打扮是古怪的，可到了下一个时代又不会如此看法了。

我觉得我们艺术生大部分还是打扮的很普通的，我们学校是一所综合类大学。艺术生较少，学校理科男比较多，所以在学校只要是打扮潮点或者你染发化妆长得好看他们就都会说你是XX艺术生吧？我觉得只是文化生把时间都花在学习上了，而艺术生思维活跃把好多时间都分给研究穿衣打扮玩耍上面了。我是美术生，学的时间久了审美提上去了，款式和颜色搭配也有研究了。有些思想更超前的，普通人不理解或者审美不在一个高度上就会觉得人家穿是的奇装异服。
一，学艺术的大多深入钻研从而不愿合群，所以打扮古怪一点远离人群堆，以便不受干扰专职安心搞艺术；

二，搞艺术的人审美本身与常人不一样，同时身在现实而思想审美艺术观也高於现实。

学艺术的学生，更注重颜色搭配，视觉效果，关注的外在美会更多一些，这和这个专业有关，就像音乐生和舞蹈生，可能从骨子里更透露出气质一样。

这是个人的风格，如齐白石，张大千等都有各自的打扮风格，因为书如其人，任何艺术都是这样，人的性格不一样，产生的艺术品也是不一样的，但无论如何都必须要有"美"的艺术欣赏价值是所在即可，艺术品与个人的打扮没有一点关系。

　　也许他们性格在外人看来都有很大缺憾，但这些所谓缺憾对他们来说却难能可贵，坚持走自己的路，让那些百肉眼凡胎的说去吧——真理通常掌握在少数人手里你没听过吗?这也是那么多都是死度后出名的原因之一吧?

　　艺术家是很多死得很早，长不长寿对他们不值一提。命运多舛，人岂可完全主宰?明白了这点，离开人世也是快乐的问。适时把自己嘣掉原是有限自由的不错选择。生命的意义不在长与短，活好不同的每一天，就算短暂，也比只活了一天而重复了几十上百年要好得多。人生正因为答有遗憾才显得个中的快乐格外美、格外需要珍惜，苦与乐总相伴而来，回知苦才知乐。没有缺憾还是人生吗?凡事求全何所益?

　　最好不要把自己当成艺术家(并非特指你)，艺术爱好者这个称呼比较好(最讨厌伪艺术家)。话说回头，我们尽管不当“家”，还是很需要有颗像答艺术家那样的心，那不是不幸，而是幸福的。

应该说是比较个性化吧！因为艺术生的思维跟常人不太一样，对于生活中的事情，事事都能进行艺术创意，也就是一种艺术再创作。穿衣服也是如此！艺术源于生活，却高于生活，所以不是普通人都能接受的，就会觉得怪怪的。一个高境界的艺术家其实在普通人眼里就是个疯子[呲牙]

艺术发展的动因是什么

在人类社会生活的结构中，经济基础是与一定物质生产力相适应的、由社会生产关系的总和构成的现实物质基础。耸立在经济基础之上的上层建筑，是由经济基础影响和制约的政治、制度及思想方式、世界观或社会意识形态的总和。艺术既属于意识形态，又具有不同于其它意识形态的特性。 人类社会是一个有着自身内部结构的有机系统，其中，生产力和与之相适应的生产关系是支撑整个社会的基础，在这个基础上，耸立着“法律的和政治的上层建筑”以及各种社会意识形态，即哲学、宗教、艺术等等。唯物史观认为，物质生活的生产方式制约着整个社会生活、政治生活和精神生活的过程，经济基础的发展对于意识形态具有较强的制约和影响作，随着社会经济基础的变更，上层建筑中的政治、法律、道德、宗教等意识形态，也必然要或快或慢地发生变革。 经济基础的发展对于意识形态具有较强的制约和影响作用，同样，艺术的发展也要受到经济的制约和影响。以生产劳动为中心的人们的经济活动是推动艺术发展的根本原因。 但是，经济对于艺术的这种作用并不是直接的，而是往往要经过一些中介环节。其中包括政治的、社会的、制度的等各方面的因素。正是借助了这些中介，才使得作为时代精神生活重要方面的艺术接受到经济基础的制约与影响，同时也借助这些中介，使艺术又对经济基础施加影响。比如，人们发现，真正与一个时代的精神生活（包括艺术）发生直接联系的，往往是与社会内部的冲突以及反映这种冲突的精神和情感状态有关，而不是经济结构及物质生产过程本身。 因此，我们在强调经济对艺术的制约和决定作用的同时，又应看到，经济的兴衰与艺术的兴衰虽然有着密切的联系，但并不是机械地互为因果关系的。 同时，艺术的发展与经济的发展并不总是同步的，有时艺术的发展显得快些，有时显得慢些，有时甚至与经济呈反方向发展。这种现象，正是马克思所指出的物质生产的不平衡关系。那种认为经济繁盛，艺术一定繁荣，经济衰退、艺术也就一定衰落的看法是缺乏根据的。经济对于艺术固然重要，但二者并不存在同形、同构和直接对应的关系，艺术的繁荣与衰落，其原因是多重的，除了经济的因素之外，还会与社会各个方面的因素有关，仅仅以经济的因素来看待艺术的发展，显然是不全面的。古希腊时代的经济与现代社会相比，无疑是极为原始的，可是为什么古希腊艺术会在某些方面超过现代艺术，而且在马克思看来，还是一种“高不可及的范本”呢？甚至比古希腊艺术更为原始和古老的艺术，就已经达到了相当高度。比如史前期还处在群居状态的一些部落，生产力水平极其低下，但作为一种高级艺术的舞蹈已经出现了，他们创造了令人类学家吃惊的、难度较大而又很美的舞蹈形式。在中国，建国初期的许多少数民族经济相当落后，有的还过着刀耕火种的原始生活，与先进的汉族地区相比，差距很大.但他们也具有了相当发达的舞蹈、对歌等艺术形式。 对此，马克思早在1857年所写的《〈政治经济学批判〉导言》中就说：“关于艺术，大家知道，它的一定的繁盛时期决不是同社会的一般发展成正比例的，因此也决不是同仿佛是社会组织的骨骼的物质基础的一般发展成正比例的。”这种不平衡不仅表现在“艺术本身的领域内部的不同艺术种类的关系中”，而且表现在“整个艺术领域同社会一般发展的关系上。”古希腊开创了文化史上第一个艺术繁盛时期，后来尽管物质生产发展了，但古希腊艺术的代表形式—神话和史诗却停滞了。18世纪末19世纪初的德国，物质生产是落后的，但却产生了歌德、席勒等一批艺术家和思想家。无数现象告诉我们，艺术的发展虽然受制于经济基础及物质生产的发展，但艺术生产和发展的原因是多种多样的，它与社会的一般发展和物质生并不是机械的比例关系，也就是说，艺术生产与物质生产的发展之间存在着不平衡的关系。 研究艺术与经济的关系，就应充分注意不同历史时期物质生产和艺术生产自身的特殊性，以及二者在不同历史时期相互关系的特殊性。再以古希腊而言{的神话不仅是古希腊艺术的宝库，而且是它的土壤。随着物质生产力和社会生活的发展，人们对自然的支配能力及其认识也在变化，那种“用想象和借助想象以征服自然力，支配自然力，把自然力加以形象化”的神话也就消失了。当某种艺术形式赖以生存的社会条件不存在了，那么即使这种艺术发展得如何完美，也难以再发展下去。各种艺术形式的兴衰与嬗变，都可以据此找到原因。中国古往今来许多艺术品种的兴起、繁盛与衰落，也都充分证实了这一点。至于艺术赖以生存的社会条件的基本构成，当然不仅仅是物质生产，还包括政治、哲学、宗教社会心理结构等诸多因素。它们同样也受到经济基础的制约和影响，但在经济与艺术之间，它们又是重要的中介因素。 经济的繁盛，社会生活的稳定，当然有利于艺术的发展，可以为艺术生产提供更雄厚的物质基础，创造良好的艺术创作与消费环境。但这是从一般的角度而言，如果具体分析文化史的一些状况，就会发现事情往往并非这样。在某些经济衰落，甚至危机的年代，同样能产生伟大的艺术品，杜甫是如此，李后主（李熠）也是如此，加之西方的米开朗基罗等人·均生活在动乱的年代。一些国家某种艺术发展的高峰，都不是处在经济与政治发展的盛期。这样讲，并非是说只有经济衰退和社会混乱的时期才能产生伟大的作品，而是说艺术发展的原因是复杂的，应当从多重的因素加以分析和研究，简单地强调“经济决定论”，或是全盘否定经济的作用，都不符合唯物史观。艺术的生产和发展与物质生产之间呈现出多种复杂的情况，值得人们认真加以认真研究。 同样，艺术对经济的某些影响，一般也需要经过上述中介因素才能起到作用。艺术不可能直接影响到经济基础与物质生产的盛衰，更不可能直接作用于经济基础的变更。

怎么理解：艺术是意识的缝隙这句话

马克思认为艺术是一种社会意识形态。从艺术作品的内容上看，艺术作为一种意识形式，它必然是对现实生活的反映。从主体心理来说，人的思想感情一方面反映了它的现实存在，另一方面又表达了它的目的和愿望。创作主体不是孤立于世界之外的个人，其审美情感、审美评价、审美意识有着深刻的现实根源，在阶级社会中还会带有一种阶级性质，尽管这一根源往往是创作主体并不能清醒而自觉地加以认识的。

正是由于这双重因素决定了无论是再现性作品还是表现性作品，其内容无不由当时的社会生活所支配，而作品的价值取向与判断无不与一定的社会力量的利益与愿望相关。已有研究认为20世纪60年代波普艺术、装置艺术、行为艺术、观念艺术等当代艺术的兴起，与美国推行的文化霸权有一定的关系。

马克思在分析人类社会形态的总结构及其相互关系时，明确地将艺术划归于上层建筑中的一种特殊的意识形态。艺术与其他不同形式的社会意识形态，都属于上层建筑的范畴，而且他们彼此之间又都是相互作用、相互影响的。

然而在中国，人们曾一度羞于承认艺术具有意识形态性，认为这样一来必然使艺术政治化，成为政治的附庸。这反映了人们对长期以来对统治文艺界“左”的思潮的逆反和恐惧，以及人们对意识形态作狭隘化的理解，把它完全等同于国家意识形态。这种分歧也源于马克思主义经典理论对“意识形态”这一概念的使用前后并不完全一致。

当然也有研究认为艺术和意识形态二者不可能互为本质，因为艺术只能是“意识形态”可能的表现与存在“形式”，而非意识形态本身。同理，意识形态也只能是艺术作品可能表达的思想倾向，而非艺术的本质。

因此，艺术和意识形态的关系可以更为准确地表述为，艺术具有意识形态性。

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